« Le lent naufrage d’un homme sans attaches, rescapé d’un long périple, qui se répète de chambre en chambre. » Telle est la description que donne Antoine d’Agata du triptyque qu’il prépare pour septembre 2012. Triptyque composé d’une exposition1, d’un film et d’un livre. Les trois volets de ce projet partagent une architecture commune, en neuf temps, rythmée par neuf « stations » – errance, ivresse, désir, chair, jouissance, chute, excès, orgie et agonie –, tant physiques que mentales, qui ordonnent le récit d’une quête ardue, radicale mais lucide, vécue la nuit, mêlant sexe, errances, souffrance et drogues. Antoine d’Agata ne met pas en scène le monde qu’il photographie, il n’en est que le témoin silencieux, le spectateur assidu. Il s’y plonge à corps perdu et nous entraîne avec lui dans ces expériences ordinaires ou extrêmes de la chair, du vide, de la mort et de la jouissance. Il y a une essentialité dans son travail, une urgence aussi. Journal autobiographique, récit chronologique d’un parcours désordonné, confrontation intime qui se nourrit de la capacité unique qu’a la photographie d’extirper de situations vécues un langage élaboré mais instantané, ce livre offre une plongée vertigineuse dans la nuit qui forge la réflexion menée par d’Agata sur le rapport de force entre deux mondes antagonistes. De l’aliénation sociale à la solidarité de la chair, de l’immoralité à la transparence de l’amoralité, de la politique à la pornographie, de l’ivresse à la prostration narcotique, de la parole à l’instinct, de la confusion des sens à l’hystérie, de la perception à l’action, de l’absorption inconsciente du monde à la lucidité. Les images deviennent toujours plus abstraites au fil du livre, révèlent la dégénérescence due non seulement à la violence accrue des situations mais aussi à une lente évolution du noir et blanc vers la couleur, vers le numérique. Elles s’opposent à l’autre facette du livre, au travail méticuleux d’inventaire, de mises en séquences. La méthodologie de classement et l’utilisation compulsive de blocs d’images ramènent le spectateur à une certaine rigidité de l’espace physique et social qui fait écho au formatage violent mais insidieux de l’individu dans la société moderne. Acteur à part entière du programme qu’il se condamne à vivre, d’Agata est tenu de suivre à la lettre – et par l’expérience du corps – ce systématisme exigeant. Situations retrace une pratique photographique indissociable d’une certaine façon d’appréhender l’existence, où le risque, le désir, l’inconscience et le hasard restent les éléments essentiels. Aucune attitude morale, aucun jugement, simplement l’éthique de l’affirmation qu’il faut, pour explorer certains univers, les partager jusqu’au bout, sans précaution aucune. Un passage à l’acte photographique, aux limites de la disparition, de la jouissance et de la mort.

Anticorps

Arts & Photography

Agata, Antoine d'

Individual Artists

XAVIER BARRAL

Les Enfants du Paradis

Prévert, Jacques

CARNÉ, MARCEL

Photography & Video

Sergio Larrain a traversé la planète photographique tel une météorite. Son souci de pureté, son attrait pour la méditation, l’on conduit à s’isoler, après de nombreux voyages, en autarcie dans la campagne chilienne. De là il écrivait beaucoup, soucieux de la nécessité de faire évoluer la planète vers une prise de conscience générale, tout en continuant à aimer profondément la photographie. Sa pratique se limitait alors à quelques satori, purs moments d’éblouissements.Dans un article annonçant la mort du photographe dans Le Monde, en février 2012, Michel Guerrin écrivait : « Sergio Larrain photographie en noir et blanc, dans la rue surtout. Il découpe la lumière de telle façon qu’il donne l’impression que les jours sont plongés dans la nuit. Les gens sont comme des apparitions fantomatiques.Il prend des libertés rares pour embarquer le spectateur dans des compositions audacieuses et virtuoses, charnelles et bousculées, comme si on se trouvait sur un navire qui tangue : plongées, contreplongées, perspectives profondes, flous au premier plan, découpe violente de la lumière… »Les photographies de Sergio Larrain n’ont fait l’objet que de quatre livres de son vivant, et jamais aucune monographie complète n’a été publiée sur son travail. C’était son choix. Cet ouvrage, publié sous la direction d’Agnès Sire qui a entretenu une longue correspondance avec lui et œuvré, avec Magnum, à la préservation de son patrimoine photographique, vient combler ce manque. Deux grands axes dans cette monographie, l’Amérique latine et l’Europe : Le Machu Picchu, la Bolivie, le Chili, Valparaiso, Londres, Paris, l’Italie… une sélection de plus de 200 photographies.Mais cet ouvrage ne serait pas fidèle à cette personnalité hors du commun, si n’étaient pas reproduites quelques lettres essentielles, des dessins, des carnets de travail et quelques textes de sa main destinés à la méditation.

Sergio Larrain

Sire, Agnès

Leiva-Quijade, Gonzalo

Wall

Koudelka, Josef

Text in book is French. What kind of experience might looking at a statue of Buddha represent today? This is the problematic broached by Hiroshi Sugimoto in this book, which establishes a conversation between his photographs, artworks from his personal collection and his writing. It is the first major monograph about the artist and reveals an essential aspect of his work that is inspired by ancient civilisations and their spirituality. In partnership with Fondation Pierre Bergé - Yves Saint Laurent, Paris PRESS REVIEWS Hardcover with jacket 210 x 260 mm 224 pages 83 photographs Translation : Corinne Atlan

Accelerated Buddha (French Edition)

SUGIMOTO, Hiroshi

History & Criticism

Emmet Gowin

Gowin, Emmet

Un livre en résonnance avec l’ampleur de la collection. Pour l’explorer, un commissaire prendra pour credo la célèbre formule de Marcel Duchamp : « Le regardeur fait l’œuvre. » Telle une arborescence, une collection résulte d’autant de regards portés sur le monde de l’image, de rencontres fortuites entre un photographe, un regardeur, un collectionneur.Au sein d’un livre d’environ 640 pages, véritable bible de la collection, les œuvres seront présentées dans un déroulé créant des articulations plastiques, des mises en résonnance. Pour ponctuer ce voyage visuel parmi plus de 700 œuvres, le commissaire, Marloes Krijnen, directrice du célèbre Foam Photography Museum à Amsterdam invitera des personnalités du monde des arts. Ces textes seront signés par Alberto Manguel (essayiste), Georges Aperghis (musicien), Matali Crasset (designer), Véronique Ovaldé (romancière) ou encore Patrick Bouvet (poète), autant d’auteurs dont les incises viendront ponctuer cette déambulation esthétique.En fin d’ouvrage figureront toutes les biographiques des artistes et notices des oeuvres.

Le Regardeur - Collection Neuflize vie

Krijnen, Marloes

Martin Gusinde est l’un des rares occidentaux à avoir vécu parmi les peuples Selk’nam, Yamana et Kawésqar. Le photographe et missionnaire allemand effectue quatre voyages en Terre de Feu entre 1918 et 1924. Il s'immerge en profondeur au sein de ces sociétés jusqu'à parler la langue et être introduit aux rites initiatiques. Les 1200 clichés qu’il rapporte, réalisés à la chambre photographique portable, constituent un témoignage unique sur ces peuples aujourd’hui disparus. Les Éditions Xavier Barral ont entrepris la numérisation et la restauration de ce fonds conservé à l'Anthropos Institut à Sankt Augustin en Allemagne. Christine Barthe, responsable scientifique de la photographie au musée du quai Branly, et Xavier Barral ont sélectionné près de 250 photographies publiées dans cet ouvrage, le premier consacré aux photographies de Martin Gusinde. Les photographies de Martin Gusinde laissent peu de place aux paysages, encore moins à des séquences de vie quotidienne. En revanche, le corps y apparaît de façon majoritaire, et dans ses manifestations les plus extraordinaires qui sont celles des esprits et des acteurs du rituel du Hain (Selk’nam). Afin d’accompagner ce voyage visuel en Terre de Feu, plusieurs textes croisent les études antérieures et plus récentes sur le sujet pour rendre compte d’un état actuel de la recherche : « Ouvrir grands les yeux » par Christine Barthe « Sauver ce qu’il en reste » par Marisol Palma Behnke « Mythes et rites initiatiques » par Anne Chapman « Peuplement et dépeuplement de la Terre de Feu » par Dominique Legoupil

L'Esprit des hommes de la terre de feu, Selk'Nam, Yamana, Kawesqar - Version française

Gusinde, Martin

Les Magiciens de la Terre

Cohen-Solal, Annie

Martin, Jean-Hubert

Publié en 1968, The Bikeriders explore au plus près les récits et les personnages du Chicago Outlaws Motorcycle Club. L’ouvrage, en format magazine, présente les clichés noir et blanc originaux et les entretiens réalisés par Danny Lyon de 1963 à 1967, alors qu’il appartenait à ce gang de motards. Lyon trace un portrait authentique, personnel et sans concession d’hommes et de femmes en marge de la société. Son style engagé et son réalisme cru mais empreint d’humanisme rappellent le mouvement du Nouveau Journalisme, popularisé dans les années 1960 par Joan Didion, Truman Capote ou Tom Wolfe. Wolfe définit ce courant comme une investigation artistique (« Investigation is an art, let’s just be kind of artists »). Avec The Bikeriders, le photographe s’est immergé dans le sujet, venant amplifier la force de l’œuvre et l’intérêt qu’elle suscite en nous. Danny Lyon n’a pas seulement photographié ces motards; il a voyagé avec eux et a partagé leur mode de vie. À travers cette série de photographies, c’est un véritable hommage qu’il leur rend.

The Bikeriders

LYON, Danny

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